為什么又給梵高拍一部電影呢？——本片不為講故事，而是意在重現梵高的聯覺。 在電影院坐了大約十分鐘，我意識到這部電影到底想干什么——它不是要講一個眾所周知的故事，那明顯太無聊了，可為什么又要給梵高拍一部電影呢——本片的目的在于貼近，并嘗試重現梵高眼里看到的世界。如果梵高稱自己的作品是一個藝術的 gesture(象征)；那么本片便是另一種 gesture：為了重現梵高的聯覺通感、情感濾鏡、以及敏感內心。 這部電影豆瓣得分很低，但我認為可能是觀眾誤解了它。它比之前那部《至愛梵高》（影評）更加深刻，更加返璞歸真，同時又打破傳統：放棄電影講故事的范式，而是以意識流般的鏡頭去貼近梵高眼中和內心的那個世界。所以，想要明白本片要怎樣去看，那便要明白，梵高本人不是用眼睛在看，本片也不是在講故事。要越過這些既定的思維，用“感性”去體驗本片，去貼近文森特·梵高。 重現梵高的“聯覺”

說回到影片的頭十分鐘。1）梵高第一次走在鄉村的原野上，他張開雙臂，以最大的身體表面積去感受林間的陽光；2）進而他坐在原野上等夕陽落山，而當夕陽余暉燒盡最后一絲光彩時，他將泥土灑在自己的臉上——泥土帶著夕陽的溫度，也帶著燒灼的氣味。 我在這一組鏡頭之中感受到了多感官的接通：正午陽光的金黃——溫暖的體感；夕陽灼燒成紫紅色——泥土的干燥氣味。這種看到溫度，聞到顏色的體驗，被稱作“聯覺”。 之后，3）梵高在蘆葦叢里觀察，讓風帶著蘆葦撫摸他的指尖；4）死去的樹干不再是原來的棕色，而是‘死亡’與‘憂郁’的藍色；5）還有他和弟弟相擁，鏡頭這里切換到蘆葦地，仿佛是兄弟二人的呼吸在吹動著草葉。6）甚至當梵高和別人說話的時候，比如酒館的女主人，鏡頭從上而下打量著女人的臉，帶著觀眾從她右邊眼窩里的陰影，慢慢看向她沒有落在陰影里的左眼，進而是她溫熱潮濕的呼吸淺淺印在鏡頭上，印在梵高的腦海中。 這種種跡象，表明電影在嘗試通過鏡頭語言——非常近，非常私密——以及剪輯，讓觀眾去體會梵高看到的世界：事實上，他觀察這個世界，不僅僅是通過眼睛，而是通過多種感官，通過“聯覺”。 梵高的這種體驗也反映在他的作畫上。片中高更批評梵高：“你的作品總是顏料用的太多，仿佛你不是在畫，而是在雕塑”。這時，電影切換成黑白色，在陽光下，堆疊起伏的油畫顏料呈現另一種光景——它們自帶高光和投影，和樹木繁茂與稀疏的gesture相呼應。梵高將“陽光”轉化成了體積。他的確是在雕塑。 情感濾鏡和敏感內心 影片在很多地方都采用了一種模糊的、上遠下近的鏡頭效果。這些奇怪的鏡頭常出現在梵高情感波動的時候；而且，如果你仔細觀察，它們總帶著一種顏色。比如樹木素描的那一組鏡頭，明顯加入了藍色；而秋季麥田和牧羊女的鏡頭，又摻進了明黃。我認為這是梵高的“情感濾鏡”，亦是聯覺的一種體現——當梵高內心在經歷一些波動時，鏡頭（或者梵高看到的世界）就會呈現出“非寫實”的色澤。 電影里高更還這樣評價過梵高的作品，“在所有描繪自然的畫家中，只有你的作品帶有思考”。我想，這不是梵高主動的“思考”，而是“情感濾鏡”加工了他筆下的自然，令畫作別具一格。 梵高的另一個特點是他內心敏感溫柔。當高更離他而去，他的腦海里重放著高更的話，每一次都越發令他傷心。而當有人真正傷害他，比如片尾槍擊他的少年，他卻選擇體諒傷害者。這種敏感脆弱的性格也讓梵高趨于“神經質”，從而，當他想要表達自己的情感時，他無法向外發泄，只能不斷地向內傷害自己的精神，成為“瘋魔”。 這令我想起另一部關于藝術家的傳記電影《最后的肖像》，講的是賈科梅蒂給美國人詹姆斯畫像。 這位藝術家同樣情感充沛，但他不懼怕表現出來，甚至傷害旁人，他深深的憤怒刻在畫板上，又是另一種風格的作品，與梵高的完全不同。

總結一下。我認為這部電影是好看的。請想一想，梵高僅僅是表達自己的感受，已經竭盡全力，付出生命；那后代人想要貼近、窺探他內心的嘗試，比如本片，若是能引發新的感性體驗，那便很了不起。看完本片，我體會到梵高的聯覺以及情感，這就是本片獨具一格的價值和藝術魅力。 在電影最后，高更說，梵高喜歡黃色，而他自己喜歡紫紅。這和影片開頭第一次展示梵高“聯覺”的場景相呼應：金黃色的正午陽光，以及紫紅色的夕陽余暉。我不知道這是導演有意為之，還是在這種神秘藝術聯覺的引領下——梵高和高更的友誼，二者的藝術追求，以及本片的結構——自然而巧妙地被接通在了一起。